Bitácora de un Campamento de Cine

El Blog de
Cinema Camp

Watership down (1978)

Orejas largas, ojos bien abiertos y mente amplia

El relato Watership down de Richard Adams fue publicado en noviembre de 1972, apenas seis años antes de que se estrenara la película que presentamos aquí. Posteriormente, tendría dos adaptaciones seriadas. Una, coproducción entre Reino Unido y Canadá entre los años 99 y 2001, y una más reciente, para Netflix, cuyo trailer se estrenó en diciembre de 2018, treinta años después.

La obra de Adams hace suya la idea de Orwell de mostrar algunas de las peores características de los seres humanos reflejadas en una sociedad animal (en este caso, conejos), si bien, tampoco está exenta de Mostar una imagen negativa del ser humano de una manera directa.  Principalmente, como sucede con el referente de Rebelión en la granja, Watership down (Orejas largas o La colina de Watership en nuestro país)es una crítica bastante directa al totalitarismo, a la autoridad basada en el uso excesivo de la violencia, y una defensa de la libertad del pueblo para elegir.

La colina de Watership (Orejas largas presenta una animación muy propia de la época y de la línea más adulta que quiere marcar, bien diferenciada de la adaptación del 99, orientada claramente a un público más infantil. Muestra un enorme gusto por mostrar “postales” de la campiña tipicamente británica, con unos tonos bastante suaves, delicados y de bastante buen gusto. En el aspecto negativo cabe citar que el diseño de personajes es un tanto confuso, y no hay que perder atención para poder distinguir a los personajes.

Fotograma Watership down

La película está rematada magníficamente por un reparto de voces autenticamente estelar, un elenco de actores en la mejor tradición británica. En el papel de Hazel, el líder del grupo de conejos, encontramos a un actor como John Hurt, que creemos, genera cierto acuerdo cuando hablamos elogiosamente de su figura. Para algunos será el Ollivander de la saga de Harry Potter, otros los recordarán por el Calígula de la popular serie Yo, Claudio. Un año después de Watership down trabajó con Ridley Scott en Alien, mientras que previamente había compartido pantalla con Peter Cushing en la irregular aunque interesante The ghoul. Estuvo también presente en Un hombre para la eternidad (sobre la vida de Tomás Moro), y por supuesto en V de vendetta, Dogville, Hellboy, la parodia de Star Wars que hizo Mel Brooks bajo el título Spaceballs (o La loca historia de las galaxias) o El hombre elefante. También repitió en la animación (por ejemplo, Taron y el caldero mágico) y tenemos especial interés en destacar la maravillosa serie de Jim Henson The storyteller, estrenada en España como El Cuentacuentos.

Pero no está solo ni mucho menos John Hurt. Podemos encontrar a gente como Nigel Hawthorne (el magnífico Sir Humphreys de las series Sí, Ministro y Sí, Primer Ministro, nominado al Oscar por su gran papel en La locura del Rey Jorge, que también apareció en El sentido de la vida, de los Monty Python, y puso voz al profesor Porter en la película de Tarzán del 99), Denholm Elliot (el despistado Dr. Brody de las películas de Indiana Jones, que también trabajó en éxitos como Alfie con la novia de Paul McCartney Jane Asher, y con Michael Caine, con quien repetiría en Qué ruina de función, en la película de Woody Allen Septiembre o en La monja poseída, con Christopher Lee y Nastassja Kinski), Roy Kinnear (actor habitual de Richard Lester, con el que trabajó, por ejemplo, en las películas de los mosqueteros, en Help! con los Beatles, en Cómo gané la guerra con Lennon, en Muchas gracias, Mr. Scrooge, Se nos ha perdido un dinosaurio, Melody, El poder de la sangre de Drácula, Las aventuras de Alicia…) o Zero Mostel (Golfus de Roma, La tapadera, Los productores, Sin conciencia). Y podemos añadir también el tema cantado por Art Garfunkel, por supuesto.

Watership down narra un precioso relato que mezcla la mística con un realismo crítico camuflado, en ocasiones demasiado crudo para un público infantil y que puede resultar una agradable sorpresa (y una gran sorpresa) para un público adulto que guste de la segunda lectura.

“El mundo entero será tu enemigo, príncipe de mil enemigos. Y cuando te atrapen, te van a matar. Pero primero, tendrán que atraparte, a ti, que cavas, y escuchas, y corres, príncipe con la alarma presta. Sé astuto e ingenioso y tu pueblo nunca será destruido”.

Título original Watership Down  | Año 1978 | Duración 101 min. | País Reino Unido | Dirección Martin Rosen | Guion Martin Rosen (Novela: Richard Adams) | Música Angela Morley | Fotografía Animation | Reparto John Hurt, Richard Briers, Michael Graham Cox, John Bennett, Ralph Richardson, Simon Cadell, Roy Kinnear, Terence Rigby, Richard O’Callaghan, Denholm Elliot, Zero Mostel, Harry Andrews, Hannah Gordon, Nigel Hawthorne, Lynn Farleigh, Clifton Jones, Derek Griffiths, Michael Hordern, Joss Ackland | Productora AVCO Embassy Pictures presenta una producción Nepenthe Productions

Poster Watership Down

La mujer del obispo (1947)

Adivina quién viene a cenar esta noche a la casa del señor

Con La mujer del obispo nos encontramos ante la que confluyen muchos elementos muy destacados de aquel cine de la época dorada de Hollywood. Lo primero que salta a la vista, un trío protagonista espectacular, con Cary Grant a la cabeza. Si necesitas dotar de carisma a uno de tus personajes principales, harías bien en buscar un guionista ocurrente, pero si, además, tienes a un actor como el británico, ya tienes gran parte del territorio conquistado. Cary Grant es un Dios que en este caso interpreta a un ángel.

Y eso que, en este caso, tenemos a un infrautilizado David Niven. No porque no tenga un buen papel, sino porque el también británico es un actor de múltiples registros con un enorme carisma. En este caso, interpreta a un obispo que se ha alejado de la gente sencilla por centrarse en la construcción de una faraónica catedral. Para esta empresa habrá de aliarse con una clase alta tan adinerada como caprichosa, lo cual no sólo establece un abismo entre sus antiguos feligreses, sino también entre el Obispo y su esposa, interpretada por una Loretta Young que también presenta una filmografía tan variada como notable (incluso duradera, que empezó siendo niña en 1917).

Fotograma La mujer del obispo

Y por si este reparto no fuera lo suficientemente llamativo, tenemos a Elsa Lanchester, que fue la enfermera de Charles Laughton en Testigo de cargo y su esposa en la vida real, además novia de Frankenstein en la película de ese título (donde también interpretó brevemente a Mary Shelley), y la niñera a la que sustituyó Mary Poppins. Y a Karolyn Grimes, que fue una de las hijas en el gran clásico navideño Qué bello es vivir, no siendo la única conexión entre ambas cintas, ni mucho menos, puesto que también aparece Bobbie Anderson, quien interpretó al personaje de James Stewart en su juventud.

Tenemos a un director eficaz como Henry Koster, que además de La túnica sagrada, dirigió la célebre El invisible Harvey, que entronca bastante con ésta por aunar comedia y un cierto toque sobrenatural. Koster fue un exiliado a EEUU que se acabó adaptando bastante bien, como ese magnífico guionista (y luego también director) que participó en la elaboración de alguna secuencia (y casi podríamos deducir cuáles). Estamos hablando del gran Billy Wilder, que en compañía de su entonces colaborador Charles Brackett participaron en el guión aunque no fueran acreditados.

Hablando del guión, está basado en una novela de Robert Nathan, que un año después vería cómo se adaptaba otra de sus obras incluso con mayor fortuna que en este caso. Estamos hablando de Retrato de Jennie, que cuenta con un cierto parecido a su “hermana”, y es también una película tan recomendable o más.

Y como guinda del pastel, tenemos también a Greg Toland, el magnífico director de fotografía de, por ejemplo, Ciudadano Kane. Realmente la película tiene en el sentido técnico una manufactura estupenda. Aparte de alguna que otra utilización de la luz (y la sombra) muy destacada, hay que decir que presenta una composición de planos bastante cuidada y con bastante intención en muchos casos. También el diseño de arte y el vestuario rayan a gran nivel. Una auténtica producción del viejo Hollywood.

Una película que, dentro de su bonhomía y comicidad, presenta un “triángulo amoroso” peculiar y un tanto controvertido, si se le quieren buscar las vueltas. Y se le deben buscar las vueltas, porque diría que no es, ni mucho menos, tan “blanca” como aparenta. Tiene motitas, como el pañuelo del señor Obispo que tan bien le queda a Cary Grant. Desde luego muchas más que el anecdótico remake que se realizó en los 90 titulado La mujer del predicador, protagonizado por Denzel Washington y Whitney Houston.

Título original The Bishop’s Wife  | Año 1947  | Duración 109 min.  | País Estados Unidos  | Dirección Henry Koster Guion Robert E. Sherwood, Leonardo Bercovici, Charles Brackett, Billy Wilder (Novela: Robert Nathan)  | Música Hugo Friedhofer  | Fotografía Gregg Toland (B&W)  | Reparto Cary Grant,  Loretta Young,  David Niven,  Monty Woolley,  James Gleason, Gladys Cooper,  Elsa Lanchester,  Sara Haden,  Karolyn Grimes,  Tito Vuolo, Regis Toomey,  Sarah Edwards,  Margaret McWade,  Anne O’Neal,  Ben Erway, Erville Alderson  | Productora The Samuel Goldwyn Company. Distribuida por RKO Radio Pictures

Poster La Mujer del Obispo

Santa Claus conquista a los marcianos (1964)

Conquistando a los marcianos y a gente de similar pelaje

Estupendo arranque el de esta película, con el animadísimo tema Hooray for Santa Claus, compuesto por Milton Delugg (fallecido en 2015 a los 96 años). A partir de ahí, todo es naufragio. Santa Claus conquista a los marcianos es uno de esos filmes que han pasado a ser de culto porque “se han salido por el otro lado”. Exhibida con gala hace unos años en Madrid como antesala a la nochevieja, recibe la consideración no unánime de ser la peor película navideña de la historia, lo cual en cierto modo ofrece cierto atractivo morboso para espectadores de determinado perfil.

Hay que ser honestos y decir que los ochenta minutos de metraje se hacen largos, y que hasta en los momentos de “mayor tensión” se pasa un poco de puntillas por ellos (hay una pelea entre el líder de los marcianos y un rebelde tan violenta como jugar al palmas palmitas, por ejemplo). No obstante, y es un punto a tener muy en cuenta, hay voces que afirman que algunas de las imágenes más espectaculares de esta película fueron rodadas por un joven Stanley Kubrick, pero no porque trabajara bajo las órdenes de Nicholas Webster, sino porque a causa de la falta de presupuesto, le hurtaron al célebre director de 2001, una odisea en el espacio, imágenes de su película Teléfono rojo, volamos hacia Moscú.

Fotograma de Santa Claus conquista a los marcianos

Santa Claus conquista a los marcianos adolece de características propias y del género, que se hacen evidentes, tales como la paupérrima dirección artística. Hay ejemplos de sobra, pero vamos a quedarnos con el momento en el que el marciano perverso es atacado cerca del taller de Santa Claus. Si el escritor ruso Nabokov tenía un ensayo sobre en qué tipo de insecto se convirtió Gregorio Samsa en La metamorfosis de Franz Kafka, aquí cabría dedicar al menos un tuit a intentar dilucidar si era un oso polar, el Yeti o una foca grande lo que luego la emprendía con los niños humanos.

Porque del anunciado como temible Tor (o Thor, vaya usted a saber cómo se escribe, que no aparece en los créditos) vamos a dejar que forméis vuestras propias conclusiones, si acaso hubiera ganas de ello. Tiene la cinta la curiosidad histórica, puesto que está rodada en el 64, de ciertas referencias a la carrera espacial dentro de la guerra fría. Dentro de ese contexto, la película tiene un cierto tono antibelicista. Voldar, el villano de la cinta, es un marciano contrario al plan de traer la navidad a Marte, usando como argumentos cuestiones tales como el debilitamiento de una estirpe, e incluso aludiendo a una tradición guerrera del planeta (no hay que olvidar que Marte es el dios de la guerra según la mitología romana). Y en verdad hay que decir que el título puede llevar a la confusión, puesto que Santa Claus no conquista a los marcianos en un sentido batallador, sino más bien es una conquista seductora, a base de simpatía y bonhomía, puesto que desde el momento que se plantea la confrontación, el personaje navideño plantea una estrategia de no violencia y colaboración que al final le da ciertos frutos.

Sin querer extenderme más, comentar que Santa Claus conquista a los marcianos está libre de derechos, puesto que los responsables decidieron no renovar sus derechos, lo que sin lugar a dudas ha favorecido la difusión y la trascendencia de una película como ésta, de esas que, podríamos calificar, disfrutas más de haber visto que de ver, puesto que dan más juego dentro de una conversación que en un visionado. Así que, debido a esta razón, hemos querido dejarla aquí para que podáis disfrutarla.

Título original Santa Claus Conquers the Martians | Año 1964  | Duración 81 min.  | País Estados Unidos  | Dirección Nicholas Webster  | Guión Glenville Mareth (Historia: Paul L. Jacobson)  | Música Milton Delugg   | Fotografía David L. Quaid  | Reparto John Call,  Leonard Hicks,  Vincent Beck,  Bill McCutcheon,  Victor Stiles,  Pia Zadora  | Productora Embassy Pictures Corporation

Poster Santa Claus conquista a los marcianos

El principe feliz (1974)

El mensaje navideño de su majestad el príncipe feliz

Somos de la consideración de que incluir algún corto en nuestras recomendaciones navideñas es totalmente procedente, y más si se trata de estos de los que vamos a hablar a continuación. Comenzamos así pues con este hermoso relato.

Cortometraje animado inspirado en el relato homónimo de Oscar Wilde, preciosa historia de una golondrina que, llegado el invierno, no viaja a tierras más cálidas porque se ha enamorado de un junco, lo que permite que acabe conociendo al príncipe feliz, una enorme estatua de oro con pedrería incrustada que desde lo alto de su pedestal observa con tristeza la miseria que le rodea.

fotograma el príncipe feliz

fotograma El príncipe feliz

Historia realmente hermosa, con sus inevitables “cargas de profundidad” criticando al poder, la avaricia, el egoísmo, la egolatría… y defensa de las clases desfavorecidas. Como cabe esperar, hay diferentes adaptaciones de este relato a las que el espectador puede acudir, unas más adecuadas que otras a cada gusto, pero si nos hemos fijado en este es principalmente por el doblaje de dos actores tan destacados como Christopher Plummer y Glynis Johns.

Si Glynis Johns fue la entrañable sufragista que tuvo a Mary Poppins como institutriz de sus hijas, Christopher Plummer también “contrató” a Julie Andrews para un desempeño similar mientras fue el Capitán Von Trapp. Por citar alguna película más de interés entre las interesantes filmografías de ambos, Christopher Plummer tiene el honor de haber sido el mayor detective consultor del mundo en Asesinato por decreto, mientras Glynis Johns participó en los sesenta en un remake del clásico del cine mudo El gabinete del doctor Caligari. Cinco años antes ambos participaron en una película de acción real, la comedia de Peter Coe Look up you daughters, y volverían a trabajar juntos en la miniserie británica Little Gloria… Happy at Last.

No queremos terminar sin avisar, a quien pueda interesar, de que este es un cuento al antiguo estilo, es decir, bonito, pero de los de llorar. Personalmente, nos abonamos a esa percepción que tenía Truffaut (entre otros) de que una buena película no te deja, al acabarla, igual que como eras antes.

Título original The happy prince | Director Michael Mills | Duración 25 minutos | Guión Michael Mills (Adaptación de un relato de Oscar Wilde) | Nacionalidad Canadá | Reparto Christopher Plummer, Glynis Johns, John Codner, Jill Frappier, Howard Ryshpan | Productor Michael Mills, Gerald Potterton, Murray Shostak | Productor musical  Ron Goodwin | Departamento de arte Sue Butterworth | Animación Jim Hiltz

Poster El príncipe feliz

Muchas gracias, Mr. Scrooge (1970)

Twist and Scrooge

Muchas son las adaptaciones al cine de la obra de Charles Dickens. Ya en 1901 Walter R. Booth dirigió el cortometraje de seis minutos Scrooge; or Marley’s Ghost. En 1951 Brian Desmond Hurst dirigió uno de las más destacadas adaptaciones, con un memorable Alastair Sim (con cierto parecido al entrenador de fútbol Miguel Ángel Lotina) en el papel de señor Scrooge. Incluso los Teleñecos, creados por Jim Henson tuvieron una interesante adaptación, con Michael Caine en el papel del huraño socio de Jacob Marley al que visitan los espíritus de las navidades pasadas, presentes y futuras.

Pero en este caso, nos gustaría hablar de la versión realizada en 1970 por el siempre eficiente director británico Ronald Neame, el cual, hijo de director de cine y de estrella del cine mudo, empezó a trabajar en el medio cinematográfico como mensajero, para acabar convertido en productor, guionista y director de fotografía, además de cineasta. A él le debemos películas como El hombre que nunca existió, protagonizada por el memorable Clifton Webb (de la legendaria Laura, de Otto Preminger) basada en la emboscada real que tendieron al servicio de inteligencia nazi en las costas del sur de España. También películas como Ladrona por amor (con Michel Caine y Shirley MacLaine), o Los mejores años de Miss Brodie, protagonizada por la siempre fantástica Maggie Smith, también con Robert Stephens. Fueron también habituales sus colaboraciones con un mito del cine británico y mundial como Sir Alec Guinnes, que en esta película aparece como Jacob Marley, el socio y amigo del señor Scrooge.

¿Qué tiene de particular esta adaptación? Pues para empezar, que es un musical, si bien no es la única versión del clásico dickensiano con esta característica. De hecho, el título en castellano de la película se corresponde con uno de los números musicales más destacados y repetidos del metraje. Neame dirige magistralmente, aunque es de justicia y rigor señalar que con una dirección artística tan magnífica, es difícil apuntar con la cámara a un lugar equivocado (aunque ese año tuvo la dura competencia de Gil Parrondo y Patton). Y por supuesto, un Albert Finney que es una bestia de la interpretación, y que como ya ha apuntado gente en redes sociales, su Scrooge tiene un cierto parecido físico al presidente de los Estados Unidos Donald Trump.

También aparece brevemente Roy Kinnear, actor emblemático para Richard Lester (de hecho, Lester se retiró tras fallecer Kinnear en España en el rodaje de una de sus películas sobre los mosqueteros). Este actor apareció en la película de los Beatles Help! y actuaría más tarde con John Lennon en Cómo gané la guerra, así pues me despido parafraseando a la tía de Lennon, que podría haber sido un diálogo de esta película, de un señor Scrooge antes de la visita de los espíritus : “La música está bien como hobby, pero no para ganar dinero”.

Título original Scrooge  | Año 1970  | Duración 118 min.  | País Reino Unido  | Dirección Ronald Neame  | Guion Leslie Bricusse (Cuento: Charles Dickens)  | Música Leslie Bricusse  | Fotografía Oswald Morris  | Reparto Albert Finney,  Alec Guinness,  Edith Evans,  Kenneth More,  Michael Medwin, Laurence Naismith,  David Collings,  Anton Rodgers,  Suzanne Neve  | Productora Cinema Center Films / Waterbury Films
Poster Scrooge (1970)

Poster Scrooge (1970)

Santa Claus (1959)

Una nueva versión del personaje de Santa Claus en clave mexicana

Nos encontramos aquí ante una película mexicana tremendamente naif que cuenta el enfrentamiento que debe tener San Nicolás con un demonio enviado a la tierra para entorpecer su labor de entregar juguetes a los niños por todo el mundo. Cuenta con la participación de estelar de Cesáreo Quezadas Cubillas, alias “Pulgarcito”, que había saltado a la fama dos años antes precisamente por la película que le dio el mote, y que participó en otras cintas con los también niños prodigio Joselito y Marisol.

Detalle significativo también la participación de José Luis Aguirre, alias “Trotsky”, encargado de meterse el la piel del mentado demonio encargado de boicotear a Santa Claus e influir malignamente especialmente en los niños, aunque también en algunos adultos, a los que incita a la acción violenta contra el entrañable y bonachón Papá Noel.

Fotograma del diablo en Santa Claus

Como curiosidad también reseñar la participación de Antonio Díaz Conde Jr, hizo del encargado de la banda sonora de un filme con mucha presencia musical, que interpreta a un niño de clase acomodada que se siente desatendido por su padres, como si hubiera alguna cuenta pendiente de la vida real que se quiso saldar en esta producción.

En el papel protagonista tenemos a un muy risueño José Elías Moreno, que un año después participaría en la película Simitrio, que logró la  Perla del Cantábrico al mejor largometraje de habla hispana en el festival de cine de San Sebastián. El actor, que trabajaría en teatro en versiones de Drácula o Doce hombres sin piedad, fallecería diez años después de protagonizar esta navideña cinta tras sufrir un accidente de tráfico.

Cabe decir que estamos ante una producción destacable para la época, aunque haya soportado mal el paso del tiempo, como sucede con su argumento simple e ingenuo, aunque puede resultar curiosa para un público tan antitético como pueden ser los nostálgicos y la gente de muy corta edad.

Título original Santa Claus | Año 1959 | Duración 94 min. |  País México | Dirección René Cardona | Guión René Cardona, Adolfo Torres Portillo | Música Antonio Díaz Conde | Fotografía Raúl Martínez Solares | Reparto José Elías Moreno,  Cesáreo Quezadas ‘Pulgarcito’,  José Luis Aguirre ‘Trotsky’, Armando Arriola,  Lupita Quezadas,  Antonio Díaz Conde hijo,  Nora Veryán, Polo Ortín,  Manuel Calvo,  José Carlos Méndez,  Jesús Brook,  Queta Lavat, Ángel Di Stefani | Productora Cinematográfica Calderón S.A. | Género Cine Familiar

Cartel Santa Claus

De ilusión también se vive (1947)

Milagro navideño en la calle 34

Iniciamos con esta película una serie de posts que tienen como objetivo recomendar ciertas obras del séptimo arte relacionadas con la Navidad.  Así pues, podemos comenzar diciendo que De ilusión también se vive es sin duda uno de los clásicos fundamentales del cine navideño, quizá no tanto por ser una película superlativa, pero sí por la cantidad de referencias en otras obras posteriores, y el sinfín de parodias en las que se han utilizado elementos propios de ella. Tampoco se le puede negar que forma parte de una cierta mitología cinematográfica. La historia del hombre al que llevan a juicio por afirmar no sólo que Santa Claus existe, sino además, que es él mismo.

Fotograma de ilusión también se vive

Fotograma de ilusión también se vive

Comparte De ilusión también se vive con el quizá clásico navideño por antonomasia Qué bello es vivir una cierta crítica social, mucho más leve en este caso que en la obra de Frank Capra, si bien en este caso el argumento no se decanta por el camino de lo “sobrenatural” de una manera tan clara como en el relato protagonizado por James Stewart. Tuvo tres remakes televisivos en los años 1955, 1959 y 1973, que sentaron en el banquillo de los acusados a Thomas Mitchell, Ed Wynn y Sebastian Cabot respectivamente. En 1994 el propio George Seaton participó en el último remake, con David Attenborough.

Para esta ocasión, Seaton contó con la intervención estelar de Maureen O’Hara en el papel de descreída encargada de la campaña de navidad de unos grandes almacenes. O’Hara, hija del mosquetero Athos, en esta ocasión en lugar de ser la madre de Mia Farrow lo fue de una Natalie Wood que ya mostraba enorme desparpajo entonces y cuya carrera es una muestra interesante de distintas etapas del cine de Hollywood.

El entrañable Edmund Gwenn realmente te convence de que es Santa Claus en un papel adorable que reencarna el espíritu de la Navidad y que contribuye a hacer de esta obra todo un clásico, por desgracia no lo suficientemente conocido.

Título original Miracle on 34th Street | Año 1947 | Duración 96 min. | País Estados Unidos | Dirección George Seaton | Guion George Seaton (Historia: Valentine Davies) | Música Cyril J. Mockridge | Fotografía Lloyd Ahern, Charles G. Clarke (B&W) | Reparto Maureen O’Hara,  John Payne,  Edmund Gwenn,  Gene Lockhart,  Natalie Wood, Porter Hall,  William Frawley,  Jerome Cowan,  Philip Tonge,  Mae Marsh,  Thelma Ritter | Productora 20th Century Fox | Género Comedia.
Cartel De ilusión también se vive

Cartel De ilusión también se vive

Cinema Camp Nicaragua

¿Cinema Camp se internacionaliza? ¿Coincidencia o plagio?

Primero fue Cinema Camp Zamora, después de Cinema Camp Ávila, ¿llega ahora Cinema Camp Nicaragua? ¿Una nueva edición del tradicional curso de cine en latinoamerica? ¿Es eso posible? ¿Ya están los cortometrajes colgados? Antes que nada queremos indicar que no… que lamentamos la desilusión que esta noticia pueda causar, pero que por desgracia el equipo de Cinema Camp no se ha desplazado (aún) hasta el país centroamericano con la finalidad de llevar a cabo algún taller o curso cinematográfico.

Ante algunos mensajes que hemos recibido en los últimos días, preguntas sobre el curso o sobre cómo es que nos hemos desplazado hasta allí, vemos necesario marcar distancias señalando que Cinema Camp Nicaragua es un proyecto distinto, que nada tiene que ver con Cinema Camp ni con los profesionales que aquí han desarrollado su labor a lo largo de los años. Al parecer nuestro proyecto, que quizás solo por esto, creemos puede ser considerado de éxito, ha encontrado un correlato fomentado por un grupo de gente deseosa de emprender la maravillosa aventura que supone la alfabetización audiovisual.

El caso es que no sólo el contenido se parece, algo que tampoco nos importa mucho, sino que el nombre es calcado, y el logo parece ser similar… De ahí que pueda venir la confusión a la hora de por ejemplo utilizar hashtags en redes sociales como Facebook o Instagram. Hemos iniciado el contacto con la gente que lleva este campamento de cine para pedir explicaciones y ver si podemos llegar a algún tipo de acuerdo o solución, y es que tal y como algunos nos habéis dicho, todo es demasiado parecido, y quizás esté bien realizar una pequeña separación entre ambos entes.

Comparativa entre Cinema Camp y Cinema Camp Nicaragua, ¿Coincidencia o Plagio?

Comparativa entre Cinema Camp y Cinema Camp Nicaragua, ¿Coincidencia o Plagio?

Lo cierto es que queremos señalar que no pretendemos atacar a ningún tipo de iniciativa como esta, al contrario, nos encanta construir proyectos comunes que tengan por finalidad dar a conocer algo que nos apasiona tanto como es el cine. Tan solo queremos impedir la confusión de nombres entre Cinema Camp y otro tipo de proyectos similares que se han podido influenciar de él o han nacido repentinamente como muestra de amor al séptimo arte en algún rincón del universo.

Así que sin querer tampoco hacer un gran problema dramático de todo este asunto que tampoco es más que una pequeña anécdota, por nuestra parte sólo queda despedirnos deseándoos unas felices fiestas y un feliz año nuevo a tod@s. Y no, reiteramos que en los próximos cursos de cine en los que estamos trabajando no figura todavía el nombre de Nicaragua… De momento.

Cinema Camp Nicaragua

Alumnos haciendo fotos

Ganadores del III Cinema Camp Film Festival

Ya están aquí los ganadores del III Cinema Camp Film Festival. Y es que un año más, y ya van tres, los alumnos y profesores de Cinema Camp hemos podido disfrutar de pequeñas joyas cinematográficas llegadas desde todas las partes del mundo hasta nuestras pantallas de proyección. Con la novedad este año de haber realizado una proyección abierta al público gracias a los cines Valderaduey de Zamora, y de haber ampliado los pases de los cortometrajes finalistas a tres, habiendo tenido lugar dos sesiones en Ávila y una en la mencionada ciudad del Duero.

Desde la organización estamos muy orgullosos de ver cómo ha crecido año a año un pequeño proyecto que nació de la demanda por parte de nuestros jóvenes cinemacampanilleros de un género normalmente tan abandonado como es el del cortometraje. De nuevo han sido ellos los encargados de elegir su obra favorita de entre todas las concursantes. Una votación secreta en la que ha habido un claro ganador. Seguidamente el equipo de profesorado ha debatido arduamente acerca de las menciones especiales para llegar al palmarés que aquí os presentamos. Tan sólo nos queda despedirnos un año más del campamento, y del que ha sido ya el III Cinema Camp Film Festival, y cómo no,  ¡animaros a presentar vuestras creaciones audiovisuales para la próxima edición! ¡Viva el cortometraje!

Premio Mejor Cortometraje: Caronte de Luis Tinoco Pineda

Menciones Especiales:

Mejor Dirección: Pablo Guerrero por Princesa de hielo

Mejor Guión: Dentro del sistema de Fco. Javier Rubio

Mejor Intérprete: Joan Pera por Woody & Woody

 

Cortos Seleccionados III Cinema Camp Film Festival

Un año más y ya van tres, llega el momento de anunciar los participantes en la próxima edición del Festival de Cortometrajes Cinema Camp Film Festival.  La principal novedad de este año es que siguiendo a los cursos de cine que venimos realizando, este año las proyecciones (tres) se dividirán entre Ávila (Residencia Arturo Duperier) y Zamora (Cines Valderaduey). Queremos destacar esta segunda localización, agradeciendo a todo el personal de Cines Valderaduey,  ya que por primera vez el festival va a celebrarse en un auténtica sala de cine, y no solo eso, sino que además la proyección va a estar abierta a todo aquel que quiera pasarse a disfrutar de una tarde de cortometrajes. A cambio de una entrada simbólica, no se nos ocurre mejor plan para pasar una tarde de julio en la ciudad del Duero.

Y ahora vamos con la lista de cortos seleccionados, y es que de aproximadamente cien trabajos recibidos podemos asegurar que no ha sido nada fácil llegar a un consenso para esta lista final de obras cinematográficas que se van a proyectar. 12 trabajos que conforman la lista final de seleccionados más larga que hayamos elegido hasta la fecha. Por delante tres proyecciones delante de pasionales cinéfilos que sin duda van a valorar las distintas cualidades de todos estos trabajos  ¡sólo nos queda felicitar  a sus directores y desearles mucha suerte!

Caronte – Luis Tinoco Pineda

Nevada – Javier Kühn

Manspreading – Abdelatif Hwidar

El viaje – Alberto Evangelio

Woody & Woody -Jaume Carrió

Gone honor: An overwatch story – Daniel Hidalgo

Zona-84 – Lonan Garcia

Vuelta al mundo – Leticia Dolera

Princesa de hielo – Pablo Guerrero

Enlazados – David López Ania & Jorge López Ania

Dentro del sistema – Fco. Javier Rubio

Ain’t that right – Patricia Denso